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La undécima edición del Máster Internacional para Profesores de Lengua y Cultura Españolas que realizan la Fundación FIDESCU y la Universidad Pontificia de Salamanca ha alcanzado su momento cumbre con la entrega de títulos. Al fin, después de nueve meses de intenso trabajo a distancia, los alumnos llegaron a Salamanca para realizar las tres semanas de clases presenciales que se imparten en la Universidad Pontificia de Salamanca.
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Cada día escuchamos nuevas noticias sobre los avances de la Inteligencia Artificial. Quizá, el más impresionante haya sido la victoria de la máquina de Google capaz de vencer a los mejores jugadores de Go y que ha supuesto un nuevo hito en el crecimiento de este tipo de computación basada en el Deep learning.
Nuevos términos como el Big Data y los avances de automatización provocan lo que se ha denominado como “La Cuarta Revolución Industrial”. Este proceso de cambio e innovación puede conllevar una gran transformación en el mercado laboral según todos los medios especializados.
Según un estudio de Oxford realizado en el 2013, se podrían perder en torno al 50% de los puestos de trabajo actuales en Estados Unidos durante las próximas dos décadas. También España se verá afectada según confirman los medios económicos especializados.
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El historiador británico Hugh Thomas (Windsor, 1931), uno de los hispanistas que mejor supo explicar la Guerra Civil y autor de un libro clásico de referencia sobre la contienda, falleció el sábado a los 85 años, según adelantó anoche en su web Abc, diario con el que colaboraba. Su libro La guerra civil española,publicado por la editorial Ruedo Ibérico en París en 1961, cuando el escritor tenía apenas 30 años, fue un título clandestino en el franquismo que gozó de una enorme influencia en los años de la Transición.
En una conferencia que pronunció en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2001, con motivo del 40º aniversario de su publicación, Thomas aseguró que la excelente acogida que tuvo el ensayo marcó su vida. El libro fue revisado en profundidad en 1977 y reeditado de nuevo en 2001.
Apasionado por la historia de España, país que visitó por primera vez en 1955, publicó también una trilogía sobre el Imperio español, iniciada en 2006 con El Imperio español: de Colón a Magallanes, que completaron El Imperio español de Carlos V (2010) y Felipe II: el señor del mundo (2013), su último trabajo. También dedicó un importante estudio a la historia de Cuba, desde el pasado colonial hasta la revolución. Desde 1994 era miembro de la Real Academia de la Historia de España y en 2001 recibió la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica.
Europa fue otra de sus grandes pasiones, como muestra su Europe: the Radical Challenge, (1973). Europeísta convencido, trabajó con el primer ministro Harold Wilson, pero abandonó a los laboristas en 1975 por su tibieza con el proyecto europeo. Después, y por los mismos motivos, se alejó de los conservadores, partido en el que fue creciendo el sentimiento eurófobo que ha desembocado en el Brexit, y en 1997 decidió unirse a los liberaldemócratas.
Nacido en Windsor (Inglaterra) en 1931, hijo de un funcionario colonial, Thomas estudió historia en Cambridge y la Sorbona. Fue catedrático de la Universidad de Reading desde 1966 y, al margen de su carrera como historiador, trabajó en el Foreign Office entre 1954 y 1957. Entre 1979 y 1991 dirigió el Centro de Estudios Políticos, un centro de análisis vinculado a la primera ministra tory Margaret Thatcher. Entró en la Cámara de los Lores en 1981, afiliado al Partido Conservador, aunque ahora ocupaba su escaño como independiente.
Además de una veintena de libros de historia, Thomas publicó tres novelas: The World’s Game (1957), The Oxygen Age (1958) y Klara (1988). Le sobreviven su esposa, la pintora Vanessa Jebb, y los tres hijos de ambos.
(Noticia extraída de "El País")
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La mitad de los escalones están hechos a modo de sillares, es decir, colocando unos bloques rectangulares a continuación de otros y luego unos encima de otros. Pero no utilizan grandes piezas de piedra cortada, como se hacía en construcciones similares de la época en el Mediterráneo oriental (en Grecia, por ejemplo), sino una especie de mortero de cal y granito machacado, probablemente encofrado después (la mezcla se colocaba a fraguar entre tablas hasta que se secara). Algo así como un protocemento, solo que un siglo antes de que apareciera el primer material de este tipo documentado hasta ahora: el opus caementicium del Imperio Romano.
El yacimiento del Turuñuelo de Guareña, cuya excavación arrancó en 2015, ya había sorprendido a los investigadores por su tamaño (es el más grande localizado de aquella época, en torno a una hectárea), la riqueza de materiales encontrados y su extraordinario estado de conservación. Todo tipo de joyas, puntas de lanza, recipientes, semillas, restos de tejidos, parrillas de bronce o calderos enormes prometían desde el principio arrojar nueva luz sobre la cultura de Tartesos. Una civilización prerromana que ocupó el suroeste de la Península Ibérica en el primer milenio antes de Cristo sobre la que se ha levantado todo tipo de mitos y leyendas (sobre todo, en torno a su misteriosa decadencia y su abrupto final), debido, entre otras cosas, a la escasez de restos materiales. Una escasez que la excavación dirigida por los arqueólogos del CSIC Sebastián Celestino —que también es director del Instituto de Arqueología de Mérida— y Esther Rodríguez está compensando a marchas forzadas, y eso que apenas se ha desenterrado hasta el momento el 10% de la construcción.
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El Museo de Bellas Artes de Valencia ha presentado hoy una obra inédita de Diego Velázquez, el boceto «Dama de perfil», que fue pintado durante el primer viaje del artista sevillano a Italia, entre 1629 y 1631, y que se expondrá junto con el resto de la Colección Delgado desde mayo y durante tres meses.
Esta presentación coincide con el anuncio que hizo el pasado lunes la sala Abalarte, que subastará el próximo 25 de abril en Madrid un cuadro atribuido a Velázquez hasta ahora inédito, el retrato de una niña pintado por el maestro sevillano era muy joven.
El director del Museo de Bellas Artes de Valencia, José Ignacio Casar, ha presentado «Dama de perfil» en una rueda de prensa en la que han intervenido asimismo la doctora en Historia del Arte y responsable de la autenticación del cuadro, Carmen Garrido, y la directora general de Cultura y Patrimonio, Carmen Amoraga.
«Dama de perfil» es, según Garrido, «un boceto de una figura ya pintada en otro cuadro» por identificar, y en él se muestra a una mujer con el rostro girado, el pelo trenzado y adornado con perlas, una cadena en torno al cuello y el pecho parcialmente descubierto.
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El Coliseo de Roma, el monumento más visitado del mundo, todavía esconde muchos secretos, y una nueva exposición se ha propuesto desvelar algunos de ellos. De sus casi 20 siglos de historia lo más conocido es el papel que jugó como escenario de batalla de gladiadores, pero poco se sabe sobre la función que desempeñó en la Edad Media, cuando dentro de él se formó una especie de “ciudad dentro de la ciudad” con casas y todo tipo de negocios, desde talleres artesanales hasta carnicerías.
En la muestra Coliseo. Un icono, inaugurada este miércoles en su segunda planta y abierta hasta el próximo 7 de enero, el monumento que empezó a construir el emperador Vespasiano en el año 70 y concluyó Tito una década después cuenta la intensidad de una vida larga y rica que lo ha terminado convirtiendo en un símbolo. Una enorme reconstrucción de madera realizada por el arquitecto Carlo Lucangeli entre 1790 y 1812, ahora restaurada, representa su imagen original, con 80 filas de gradas, galerías, capiteles y figuras decorativas de bronce. Era su época gloriosa, cuando todavía lucía su epígrafe inaugural, hoy expuesto tras ser descubierto en unas excavaciones en 1813.
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¿Quién era Miguel Hernández? ¿Cómo un oriundo de Orihuela, destinado a ser otro jornalero de frente y manos duras, acabó dotando a la poesía española de todo un aliento agro, un savoir faire de entraña, un relámpago sin mística? ¿Cómo pudo una mala tisis llevárselo tan pronto, en una cárcel, sin una cebolla blanca en la boca? ¿Qué versos futuros perdía la Historia -y su Josefina- de quien fue joven hasta para morir? ¿Quién era Miguel Hernández? Pero, sobre todo, ¿quién sigue siendo Miguel Hernández?
Se cumplen 75 años desde que falleciera el 'hijo español' de Pablo Neruda -su 'padre', Alberti; su 'hermanísimo', Lorca, otro que se fue sin mirar atrás-. Miguel Hernández sigue vivo. En cada verso de poeta contemporáneo su influencia no es errata. Generación tras generación, hay un 'post-miguelhernandismo' en la metáfora patria. Conversamos con algunas de las voces de la poesía actual española para saber de primera mano cómo hay un 'viento del pueblo' que sigue su rumbo en los pulmones de los otros.
"La influencia de su escritura ha sido menor que el calado de su actitud y de su leyenda abaratada. Miguel Hernández fue más de lo que nos dijeron", afirma el poeta Antonio Lucas (Madrid, 1975) en un hilo que recoge con el mismo impulso Momo Galera (Murcia, 1997), coordinador de la Jam de nakama y del Micro Abierto de 'La Casa Vieja' en Albacete: "De los poetas actuales, son muchos los que se han dejado bañar por la tinta crítica de Miguel Hernández, aunque posiblemente son menos de los que deberían".
La libertad es algo
que sólo en tus entrañas
bate como el relámpago.
"Miguel Hernández no es un poeta cuya influencia pueda rastrearse fácilmente porque la suya no fue una obra revulsiva, que sentara las bases de una estética propia", explican desde la editorial Esto no es Berlín. "Lo valioso es que, aún así, fue un poeta original. Su influencia está, o debería estarlo, en su actitud poética indesmayable". Una actitud en donde cada víscera está al servicio del siguiente verso, cada músculo tensado para asombrar con una tilde nueva al lector.
Desde la Fundación Miguel Hernández advierten de que la vigencia de su verbo radica en "su autenticidad, intemporalidad del mensaje, su rebeldía por aquello impuesto". Hablan de que sus libros "suponen un gran esfuerzo por aspirar a la belleza partiendo de lo simple", de que su influencia en la poesía contemporánea promueve "una vuelta al yo, al intimismo". Y con un vistazo a los poetas del hoy que serán poetas mañana: el 'yo poético' de Miguel ha alargado su sombra telúrica hasta nuestros días.
Un legado en lunas
"Miguel Hernández es un poeta de un extremo virtuosismo y un deslumbrante talento natural, que supo cantar a la vida, tomar partido en los duros dilemas de su tiempo y no renunciar jamás a su sentido de la dignidad y la verdad". Las palabras de Raquel Lanseros (Jerez de la Frontera, 1973) sirven de cimiento para cantar qué delimita la poesía del oriolano. "Si algo la define, es esa extraña resiliencia de la juventud en la libertad. Estos son sus dos mayores pilares: el amor y la libertad", expone desde su Málaga natal el joven vate Jorge Villalobos (1995).
Para Momo Galera, el mejor sinónimo de Miguel Hernández es "la lucha". "Es el consagrado 'poeta del pueblo' por el fiel reflejo que hace de ese sentimiento de lucha obrera, de causa republicana. La obra de Miguel es un retrato detallado de una España atrasada". Para su Fundación, los lendeles que dejó Miguel se escriben con tres adjetivos fieros: "Auténtico, profundo, sencillo. Su obra bebe de las fuentes del pueblo".
Un pueblo que de alguna forma le dio la espalda y la cruz de la moneda de una idea. Hubo que reivindicarlo, aunque su herencia poética aún galopa rauda. Para Villalobos, Miguel Hernández "fue mártir porque no aceptó cadenas, porque no renunció a la sonrisa ni su voz. En cada poema se ve una honestidad titánica, eso es su legado". Raquel Lanseros coincide y lanza el órdago: "Sin su figura no es posible explicar la producción poética posterior".
Y Antonio Lucas lo resume, ¿qué define la poesía de Miguel Hernández? "El instinto. La calentura de un verso que sube alto la imagen poética y que cuenta con una potencia verbal asombrosa". ¿Cómo definiría su legado? "Como el de un hombre que nació fieramente para la poesía, para el asombro y para el dolor". Quedan por saber las razones por las que debe su sangre seguir estercolando el territorio poético.
Leer una ausencia
La editorial Esto no es Berlín da su impresión, que no va mal encaminada: "Hay que leerle, primero, porque, admitámoslo, no lo leemos todo lo que deberíamos, pero la España de la crisis probablemente sea más sensible a la magnitud de su voz". La poeta Luna Miguel (Madrid, 1990), sin embargo, retrata en esta anécdota una razón que tiene raíz (de ser) y árbol (genealógico):
"Yo nunca había leído a Miguel Hernández, sentía que sus palabras no representaban ni mi vida ni mis sentimientos. Sin embargo, al cumplir los 18, mi abuela me regaló una antología de su obra que agradecí y en seguida olvidé en mi estantería. En aquella época, yo vivía con mi abuela en Alcalá de Henares. Recuerdo que a veces, en el desayuno, ella recitaba de memoria algunos de sus versos. Por supuesto, yo no los reconocía.
Un día, no sé por qué, leí la antología de principio a fin. Volví a no sentirme identificada con Hernández, y sin embargo sí que me sentí más unida a mi abuela. Es curioso cómo un poeta que nunca terminó de gustarme acabó haciéndome sentir así: más orgullosa de ser nieta de esa mujer que durante años fue profesora de literatura y recitó de memoria los versos de grandes poetas y, por supuesto, los de Hernández".
Momo Galera, desde su propia trinchera de juventud, no negocia: "Cualquier joven escritor que pretenda en sus textos virar el timón a contracorriente, ser en definitiva crítico y autocrítico, debería impregnarse de la tinta libertaria de Miguel". Otro que se afianza en esa idea es Jorge Villalobos: "Tanto para la vida como para escribir es mucho lo que puede enseñar , reflejarnos, abrazarnos en momentos adversos o difíciles". Elige un verso: voy entre pena y pena sonriendo.
¡Dejadme la esperanza! es el que elige desde la fundación del poeta Aitor Larrabide, su presidente, puesto que "resume muy bien la filosofía vital de Miguel Hernández. Su obra representa no sólo un ejemplo de la evolución de la poesía española del siglo XX sino también de la pasión por la escritura y por la cultura como única forma de progreso".
"Se trata de un poeta hondo y luminoso. Cuando leí El rayo que no cesa en la adolescencia, me impresionó tanto que se convirtió en uno de mis libros de cabecera", dice y concluye Raquel Lanseros, quien elige mismo libro que Antonio Lucas, que aprovecha para dar el porqué de su lectura: "Porque abre el idioma, porque dota las palabras de lumbre, amor, rabia y autenticidad. Porque su escritura es un trallazo. Es uno de esos hombres que lanzan las palabras más lejos que la vida".
Una vida que se le escapó de las manos bajo el frío que da el azul entre los barrotes. Esas mismas manos que escarbaban la tierra a dentelladas, esos mismos ojos que dio a los cirujanos para la libertad o esa misma boca que apenas si pudo decir adiós -a su Josefina- una sola vez. Y no volvió. Pero siempre se vuelve a él. Hay testigos.
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Roma es esa ciudad en la que el tiempo se para y avanza a la vez. Se detuvo en los primeros siglos de nuestra era, luego en el Renacimiento, en el Barroco... y transcurre cada día en el barullo de sus calles. Se frenaron las vidas de los 24 becarios de la Academia de España en Roma durante los nueve meses del curso 2015-2016 que disfrutaron su estancia allí y, simultáneamente, su actividad creativa se aceleró. Fruto de esto surge Hecho en Roma, la exposición en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) que, hasta el 2 de abril, muestra algunos de los trabajos que realizaron estos artistas en ese privilegiado lugar que es San Pietro in Montorio con el templete de Bramante como elemento único.
El peso de la arquitectura en la residencia, de alguna manera, también se ha trasladado al diseño expositivo y ha marcado el discurso de la exposición, ya que su comisario, el arquitecto Manuel Blanco Lage, ha querido acordarse de Brunelleschi, jugando con los módulos y las retículas. Prueba de ello es la contraposición o conjunción -depende de cómo se mire- de algunas obras, como las de Jorge Conde que muestra una serie de seis fotografías en las que se ve cómo algunos mendigos de la ciudad han hecho de las arcadas del acueducto Acqua Felice su hogar. A los restos de la Roma clásica le dan vida y sigue dando vida, sobre todo cobijo. En frente, como si la sala de la Calcografía Nacional fuera una basílica de una nave y estas obras marcaran el transepto, una suerte de políptico de vídeos: entrevistas con los directores o responsables de los centros y museos de arte contemporáneo, instituciones poco frecuentes hasta hace unos veinte años en Italia.
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Recordaba siempre Maurits Cornelis Escher que "el asombro es la sal de la tierra". Su obra cuenta con buena parte de esta filosofía. Ciencia, naturaleza, rigor analítico y capacidad contemplativa fueron las señas de identidad con las que creció y con las que ha sabido mantenerse 40 años después de su muerte. "Cada vez que veo estos grabados, encuentro un hallazgo nuevo", señala el coleccionista de arte Federico Giudiceandrea, uno de los comisarios junto a CEO de la M.C. Escher Company Mark Veldhuysen, de la exposición con la que, además, se reabre el Palacio de Gaviria. Así, desde hoy y hasta el 25 de junio, vuelve a Madrid tras una década de su última exposición. "Fue un país donde encontró la inspiración".
La estrecha relación del artista con España e Italia, donde pasó varias temporadas entre 1921 y 1935, fue el detonante de su carrera como artista gráfico. El eslabón entre sus estudios de arquitectura y su nuevo forma de entender el arte fue su maestro, Samuel Jessurum de Mesquita, quien despertó en él un marcado interés por la teselación - regularidad o patrón de figuras que recubren o pavimentan completamente una superficie plana-. San Gimignano fue una de las primeras ciudades que visitó y en la que aprendió no sólo a dibujar paisajes sino también la naturaleza. "Cuando volvía a Roma, esos dibujos los convertía en xilografías", explica Mark Veldhuysen. "Fue todo un maestro del grabado".
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La cita que encabeza este artículo se puede encontrar en el capítulo XXXVIII de la segunda parte del Quijote, si se consulta una edición que no haya sufrido una corrección de acuerdo con las normas actuales. Cervantes, como otros autores tanto clásicos como modernos, padecía de leísmo y laísmo, además de otros males de los que atormentan a los puristas.
Luce ahí como amuleto, para ahuyentar almas mortificadas que llegaran aquí con intención de acusar de homicidas de nuestra lengua a los que se desvían del camino y para dejar patente que «si Cervantes levantara la cabeza» lo que más le sorprendería es que haya tanta gente cultivada. Y tanta gente, en general.
El conflicto de los pronombres personales está provocado por la tendencia a sustituir el sistema etimológico (basado en el de casos del latín) por uno que privilegia la distinción, por una parte, de persona de cosa y, por otra, de género gramatical. Una singularidad respecto a otras lenguas romances que, sin embargo, está en armonía con la emancipación general del castellano del sistema de casos del latín.
En un ejemplo de leísmo muy extendido en la península: «lo quiero» es entendido por un gran número de hablantes como referido a cosa, mientras «le quiero» les resulta más propio para persona. Esta necesidad del castellano de diferenciar gramaticalmente las categorías de animado e inanimado se percibe también en el uso de a delante de complemento directo, que ya tratamos alegremente aquí. Algunas teorías incluyen un tercer par de opuestos en el engranaje: diferenciación entre referente continuo (no contable) frente a discontinuo (contable) que explica mejor el sistema.
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